Los mejores animes de la década de 2000

Cuando llegó el 2010, también lo hicieron las listas de “Lo mejor de la década”, con películas, televisión y todo lo demás en una variedad de plataformas. Puntos de venta como ANN, Japanator y AnimeDiet se unieron con sus propias listas. En caso de que seas un novato que busca un buen lugar para comenzar tu viaje de anime, o un fanático experimentado que de alguna manera se está quedando sin programas para ver, aquí hay uno más.

The Artifice le pidió a una multitud de escritores de anime que hablaran de su anime favorito de la década de 2000. Sus elecciones se han incluido en esta antología de revisión, que presenta 20 títulos sobresalientes sin ningún orden en particular. De tocar comedias románticas como Toradora! y Lovely Complex, hasta novelas de suspenso como Monster y Death Note, aventuras mecánicas como Eureka Seven y Tengen Toppa Gurren Lagann, hasta atrevidos dramas de personajes como Koi Kaze y NHK e youkoso, hasta extravagancias audiovisuales únicas como FLCL y Bakemonogatari, la década es rica en variedad y realmente tiene algo para todos.

Este artículo fue un esfuerzo de colaboración, ¡así que disfruta de todas las diferentes voces creativas de los maravillosos escritores que contribuyeron!

1. Monster (2004)

El renombrado cirujano cerebral Kenzou Tenma se enfrenta un día con una opción: salvar al alcalde de la ciudad o un niño. Contra la voluntad de sus superiores, decide salvar al niño, una decisión que lo lleva por un camino oscuro y misterioso.

Por blautoothdmand

Las obras de mangaka Naoki Urasawa son un muy buen punto de entrada para los recién llegados de anime y manga, ya que combinan la escritura familiar de su típica serie de suspenso occidental con la sensibilidad para conceptos narrativos únicos que tan a menudo caracterizan a sus homólogos japoneses. Mientras que su otro trabajo icónico 20th Century Boys está más en el lado extraño de esta sensibilidad, su aclamado título de 1994 Monster es el epítome del misterio esotérico. Cuando el estudio Madhouse lanzó la adaptación al anime diez años después, hicieron un trabajo excepcional al capturar estas cualidades.

La historia se desarrolla en la Guerra Fría en Alemania, comenzando en Dusseldorf en 1986. Kenzou Tenma es un joven cirujano cerebral japonés, que con sus notables habilidades es una estrella en ascenso en el mundo hospitalario. Pero después de haber salvado a un famoso cantante de ópera sobre un pobre turco, se enfrenta de primera mano con la corrupción moralmente sesgada que impregna el sistema de salud del país. Mientras tanto, cierto señor Liebert llega a Dusseldorf desde Alemania del Este con su esposa y sus dos hijos gemelos. Una masacre en su residencia deja al señor y a la señora Liebert muertos, el hijo inconsciente con una bala en la cabeza y la hija en estado de shock traumático. Cuando el niño ingresa al hospital, es seguido rápidamente por el alcalde de la ciudad, que necesita cirugía igualmente aguda. Los superiores de Tenma le ordenan que atienda al alcalde, pero cansado de su corrupción, le da prioridad al niño desde que llegó primero. El niño se salva y el alcalde muere, lo que resulta en que Tenma pierda su carrera y sea abandonado por su prometida, la hija del Director del Hospital.

Mientras se desespera junto al niño al que sacrificó todo para salvar, desea la muerte de sus superiores moralmente injustos. Al día siguiente, su deseo se cumple, y los hermanos Liebert desaparecen misteriosamente. Diez años más tarde, cuando Tenma ha recuperado su posición como médico (debido al mal destino de sus superiores), un paciente suyo es asesinado frente a sus ojos, y el asesino resulta ser el chico que él una vez salvó. Esto marca el comienzo de un largo y oscuro viaje para Tenma mientras trata de desentrañar el misterio de este joven y cómo detenerlo.

A partir de este resumen del arco de apertura de la serie, uno de sus temas principales se vuelve muy evidente: la moralidad. Mientras intenta mantener una brújula moral en medio de un sistema inmoral, Tenma es castigado por sus acciones moralmente justas y recompensado por sus deseos inmorales. Esto lleva a la pregunta de cuánto vale la pena sacrificar por hacer lo correcto, así como qué es exactamente lo correcto. ¿Debería un hombre tan malvado como para ser considerado un monstruo ser asesinado por un bien mayor, o debería recibir la salvación? ¿Debería un médico, alguien destinado a salvar personas, quitarse la vida por el bien de los demás? ¿Y qué pasa con él si lo hace? ¿Se convierte en un héroe o en un monstruo? La serie plantea continuamente estas difíciles preguntas a través de un marco narrativo conmovedor.

Es difícil hablar de Monster sin hablar de su antagonista. El personaje conocido principalmente como Johan Liebert (pero que en realidad no tiene un nombre real, que es narrativa y temáticamente relevante) sirve como el epicentro de todo el espectáculo, y es considerado por muchos como el villano en anime. Glorificado tanto por los neonazis como por los asesinos en serie como un mesías, es enmarcado como la encarnación del mal supremo que busca ser el último hombre en el fin del mundo. Sin embargo, hay numerosos matices para él que van más allá de esto, ya que está atormentado por su falta de identidad y pertenencia existencial. En última instancia, es un personaje increíblemente enigmático y psicológicamente complejo, tanto un misterio para sí mismo como para quienes lo rodean. Todo esto se comunica en su sorprendente carisma de ternura ligera mezclada con una amenaza espeluznante, traída a la vida por su diseño ario sin fisuras y estereotípicamente, así como por el excelente rendimiento de Nozomu Sasaki.

Además de sus cualidades temáticas, Monster también es una historia realmente emocionante. No dejes que su duración de 74 episodios te intimide; este es un espectáculo adictivo que le garantiza que se quemará mientras está pegado constantemente al borde de su asiento. Tiene todo lo que podrías pedir de una serie de suspenso comercialmente atractiva: tiene un gran elenco de personajes desarrollados, completos e interesantes; trata cada uno de sus muchos arcos, tanto grandes como pequeños, con mucho cuidado para que sean tan atractivos por sí mismos como dentro del contexto más amplio de la serie; tiene acción y tensión bombeada con una intensidad fantástica; y sabe exactamente cómo generar una acumulación y catarsis dramáticas de manera satisfactoria.

Sin embargo, a esto se agrega un extraterrestre esotérico, ya que Tenma se adentra más y más en la más oscura de las madrigueras de conejos en el extremo más alejado de la realidad humana. Es un misterio llevado a un grado de sublimidad apocalíptica, impulsado por la pregunta cada vez más desconcertante de “¿quién es Johan Liebert?” Esto se logra completamente sin la inclusión de elementos surrealistas o fantásticos. Esa dedicación a mantener ambos pies firmemente colocados en el realismo de líneas duras se demuestra visualmente, con su paleta de colores tenues, diseños de personajes atenuados, animación restringida y completa falta de expresividad de dibujos animados. De hecho, podría haber sido fácilmente una serie a imagen real. El resultado de esta combinación de otro mundo y realismo es una exploración no de alguna oscuridad alienígena más allá de la percepción humana, sino de la oscuridad dentro de la humanidad misma.

Con fascinantes temas de moralidad, constructivismo, psicología, identidad y existencialismo, todo envuelto en un thriller de misterio extremadamente bien elaborado y entretenido, y presentando a uno de los personajes más enigmáticamente complejos del anime, Monster lo saca del campo de juego. Si desea probar el mundo culinario rico y único que el anime tiene para ofrecer servido en un plato fácilmente digerible para los no iniciados, entonces esta es una gran opción.

2. Hell Girl (2005)

Si publicas rencor a la medianoche en un sitio web en particular, la misteriosa chica infernal aparecerá y llevará a cabo tu venganza antes de arrastrarte.

Por Justin Wu y Jordan

Hell Girl es una serie oscura con temas serios sobre el deseo humano. Como con la mayoría de las series de televisión episódicas, presenta una serie de escritores y, por lo tanto, una variedad de estilos, cada uno contando una historia separada. Los diferentes personajes se construyen de manera efectiva dentro de su tiempo de pantalla limitado para que realmente te preocupes por ellos, y aunque los episodios no parecen estar conectados más allá de la aparición recurrente de la Hell Girl titular, eso es lo que hace que el programa sea tan presente: sabemos lo que viene.

Las imágenes agregan un elemento de exquisitez al motivo de la serie sobre el infierno y las consecuencias de los hechos en la vida a través de la incorporación del folklore japonés tradicional. En algunas de las escenas más inquietantes, las imágenes se parecen a las de películas de terror como La maldición y El aro, o series de anime como Rozen Maiden y xxxHolic. Lo más destacado de las imágenes son los diseños de personajes de Mariko Oka (Ghost Hound), que son interesantes y distintos con sus ojos ovalados, caras regordetas y las líneas afiladas de su ropa.

Otra característica que contribuye a la atmósfera oscura de este anime es su paisaje sonoro escalofriante. Para absorber al público y completar el estado de ánimo, la música elegida no adopta un estilo glamoroso, sino que sigue siendo simple y melancólica. Las guitarras acústicas y las piezas orquestales suenan mientras la serie explora y condena el lado oscuro de la naturaleza humana. Incluso hay momentos en los que la ausencia de música tiene un impacto profundo, y cuando los simples efectos de sonido o el puro silencio son lo suficientemente cautivadores como para querer ver más.

3. Ouran Koukou Host Club (2006)

Haruhi es una marimacha de clase media que accidentalmente deambula por el rico y glamoroso club de anfitriones de su escuela. Para pagar una deuda, debe participar en el club de anfitriones disfrazada de niño.

Por Mary Awad

“Kiss, Kiss, Fall in Love”, es lo primero que se escucha al ver cualquier episodio de  Ouran High School Host Club. Con buena razón, la mente dice automáticamente: «Ay, Dios, no es otra de estas comedias de anime típicas». Pero si se le da la oportunidad,  Ouran demuestra ser una sátira de calidad con una variedad de personajes locos y se ríe en cada esquina. La pura ridiculez de su trama y elenco es lo que impulsa esta historia, centrada en el Club de anfitriones de Ouran, donde «los chicos más guapos de la escuela con demasiado tiempo libre entretienen a las jóvenes que también tienen demasiado tiempo libre». A través de estas presentaciones conscientes, el público está preparado para el caos que se producirá dentro de los muros extravagantes de la Academia Ouran.

La protagonista de este cuento, Fujioka Haruhi, asiste a Ouran gracias a sus sesos en lugar de su estatus social. Cuando rompe un florero caro, decide unirse al grupo como un niño hasta que pueda ganar el dinero para devolverle el dinero al club. A primera vista, Haruhi parece ser el único personaje genuino y agradable en el programa. Pero a medida que avanza la trama, los niños obtienen un desarrollo muy necesario, cada uno con sus propias peculiaridades personales. Al igual que los personajes que el club entretiene, los espectadores se encontrarán eligiendo a su anfitrión favorito personal, ya sea Haruhi o un miembro del elenco de apoyo algo extravagante.

A veces es difícil saber si el programa se está burlando o si es realmente ofensivo, pero dado su entorno cómico, los espectadores pueden asumir con seguridad que solo está tratando de ser divertido. El Club de anfitriones, por ejemplo, atrae al alumnado femenino atendiendo sus fantasías de Lolita y gemelas. También hay un personaje otaku (friqui), y los chistes que vienen con ella solo pueden ser completamente apreciados por aquellos familiarizados con el anime. Aún así, a pesar de lo extraño que puede ser el humor del programa a veces, sin lugar a dudas tiene un encanto irresistible que ha atraído a muchos nuevos fanáticos al medio.

Visualmente puede que no sea el trabajo más fuerte en el catálogo BONES del estudio, pero lo que el diseñador de personajes y director de animación Kumiko Takahashi (Card Captor Sakura) ha logrado con Ouran es tan elegante y encantador como los terrenos escolares de la academia misma. Se basa en la misma calidad del peculiar y enérgico School Rumble (2004) sin sumergirse en la simplicidad de otros éxitos de comedia como Azumanga Daioh (2002) o Lucky Star (2007).

Otra forma de ilustrar con éxito la vibra de la alta cultura es a través de la banda sonora de Yoshihisa Hirano (Death Note), que está completamente orquestada con una poderosa sección de cuerdas y hermosas melodías. Los colores de la canción de apertura son brillantes, la música es un vals sofisticado y los movimientos florecieron lo suficiente como para realmente llevar al espectador al mundo de clase alta del  Ouran Koukou Host Club .

Ouran se  burla del mundo rico sin tomarse demasiado en serio. En algunos momentos, los espectadores pueden tener que apretar los dientes para entender el ridículo humor del programa, pero en general es un programa definitivo para cualquiera que quiera reírse y tenga demasiado tiempo libre.

4. Toradora! (2008)

Dos estudiantes de secundaria a menudo mal juzgados deciden ayudarse mutuamente en sus esfuerzos románticos.

Por Mary Awad y Jordan

A juzgar negativamente por sus apariencias externas, los estudiantes de segundo año de secundaria Takasu Ryuji y Aisaka Taiga no podían considerarse populares por ningún estándar. Ryuji tiende a clasificarse automáticamente como delincuente debido a sus ojos estrechos e intimidantes, a pesar de que tiene un comportamiento amable y solo quiere ser querido. Taiga tiene una personalidad despiadada con el ceño fruncido y una lengua violenta que inmediatamente hace que sus compañeros quieran odiarla. Cuando estos dos descubren que están enamorados de los mejores amigos del otro, forman una alianza extraña pero conveniente para ayudar con la vida amorosa del otro. Luego, los dos descubren que viven en el mismo complejo de apartamentos y forman una fuerte amistad mientras intentan atravesar juntos las pruebas de amor, escuela secundaria y adolescencia.

Toradora! es una típica historia de amor que logra su belleza a través del gran desarrollo del personaje y el increíble talento de voz. Cada personaje está diseñado y desarrollado con corazón, lo que lo convierte en un elenco creíble que siempre es atractivo para ver en pantalla. Posteriormente, se colocan en momentos conmovedores y bien escritos, ingeniosamente entretejidos en situaciones que, aunque son muy típicas del anime, se hacen especiales en cuanto al programa le importa la historia que cuenta.

Los actores de doblaje hacen un trabajo increíble al dar vida a sus personajes. La emoción y la inflexión en sus voces con cada línea es increíblemente cautivadora y, para una comedia romántica convertida en un drama como este, un gran punto de venta. ¡Sus transiciones del humor a la seriedad ayudan a crear la increíble atmósfera de tensión y liberación que define en gran medida a Toradora! El audio también está a la par en cualquier otro campo, especialmente la música. Los entretenidos temas iniciales y finales, interpretados por el elenco de voces femeninas (Kugimiya Rie, Kitamura Eri y Horie Yui), se alinean con el lado lúdico de la serie.

También es visualmente impresionante. JC Staff puede no ser el estudio más prolífico, pero aquí ha creado un mundo bellamente animado que se ve hermoso y se mueve con elegancia. Incluso durante las partes más rápidas y ásperas, la animación mantiene esta elegante esencia a su alrededor. El estilo utiliza colores intensos y profundos en lugar de los colores brillantes habituales, lo que le da al espectáculo una sensación más madura y realista. La calidad visual es, por lo tanto, un factor clave que se suma al realismo del espectáculo. Une las interpretaciones genuinas de la actuación de voz y los hermosos fondos para que sea un reloj atractivo desde el principio hasta el final dramático y maravilloso.

Toradora! es un poderoso drama que muestra las dificultades y desafíos de la vida de estos dos personajes similares pero diferentes y cómo se entrelazan. La combinación de imágenes vibrantes, un maravilloso elenco de personajes y una música encantadora hace que el elemento “típico” de la historia de amor se destaque entre una multitud de mediocridad.

5. Koi Kaze (2004)

Saeki trabaja como planificador de bodas y acaba de ser abandonado por su novia. Él encuentra consuelo en una niña bonita en un parque de diversiones y comienza a desarrollar sentimientos por ella, después de lo cual descubren que son hermanos.

Por Jordania

Eliminemos el obstáculo más grande: Koi Kaze es una historia sobre incesto accidental. Pero a diferencia de muchos otros animes que representan el incesto como una especie de elemento fetiche, retrata el desarrollo de esta relación de una manera muy gradual y creíble. Basado en un manga de 2001 de Motoi Yoshida, la serie de 13 episodios fue producida por A · C · G · T (Kino no tabi). Es uno de los dramas de personajes más fuertes de la década, con un estilo y una ejecución comparables a Rumbling Hearts pero con temas más pesados.

Como una historia impulsada por los personajes, el programa trata más sobre el viaje que atraviesan los personajes que cualquier trama externa. Inicialmente se centra en el hermano, Saeki, sus pensamientos y emociones, retratados de una manera muy humanizante. Con un poco de barriga, barba y amplias características, su diseño agrega una capa adicional de realismo. Luego, el enfoque se desplaza lentamente hacia la hermana, Nanoka. Su perspectiva no se explora tan a fondo, lo que, aunque es un poco decepcionante, no es un gran inconveniente. Su ejecución de 13 episodios no da mucho tiempo para desarrollar a los otros personajes, pero uno en particular se destaca como la voz de la sociedad, lo que agrega un contraste muy necesario e importante a la historia.

La banda sonora de Makoto Yoshimori (Baccano!) y Masanori Takumi (Peach Girl) complementa la serie perfectamente. Similar a las obras de Makoto Shinkai y Rumbling Hearts, la mayoría de la partitura consiste en piezas de piano que funcionan para crear un ambiente sombrío. Sin embargo, en algunos casos es demasiado, y se recomienda encarecidamente no ver toda la serie de una vez, ya que puede ser increíblemente agotador.

Koi Kaze es uno de los únicos animes que representa el incesto a través de un área gris matizada, vistas desafiantes sobre el incesto a través de un fascinante estudio de personajes e historia conmovedora. Puede ser un viaje un poco lento a medida que se desarrolla el drama, pero no hay episodios de relleno, y tiene una gran recompensa al final con momentos intensamente emocionales donde el elenco realmente brilla. Especialmente vale la pena verlo para aquellos apagados por el lado del incesto-fetiche del anime, ya que es una representación mucho más realista del tema. La serie se deja abierta, lo que permite al espectador sacar sus propias conclusiones en lugar de dejarse influir para pensar de una manera u otra, o recibir un mensaje vocífero.

6. NHK ni youkoso (2006)

Satou, de 22 años, es un nini y un hikikomori (encerrado). Se le anima a comenzar a salir cuando una mujer joven dice ser capaz de salvarlo de sus problemas emocionales.

Por Jordania

Bienvenido a la NHK es una de las mejores comedias de su década, simplemente por su capacidad de hacer reír en voz alta y equilibrar todo con momentos serios. El quid de la historia se cuenta desde la perspectiva del personaje principal Sato, quien en la novela ligera original tiene un problema de abuso de drogas. El anime elimina este detalle, por lo que aquellos que no estén familiarizados con el material de origen pueden encontrar los primeros episodios como una experiencia extraña, ya que se preguntan: «¿Por qué habla la nevera?» y «¿Qué pasa con todos los muebles inteligentes a la Bella y la Bestia?» En cualquier caso, Sato necesita urgentemente una terapia, una terapia adecuada, pero como sus habilidades sociales son tan ineptas, lo más cerca que puede llegar al apoyo emocional es a través de la voluntad de un amable extraño llamado Misaki.

La historia de NHK ni youkoso es interesante por varias razones, las principales son la química entre los personajes y las luchas internas que atraviesan. Su elenco es diferente al de muchos animes, ya que consiste en adultos jóvenes fuera del entorno escolar. Sato está tratando de lidiar con vecinos ruidosos, cocinar, alquilar y verse bien con sus padres. Intenta negar que tiene problemas evocando un plan para convencerlos a ellos y a Misaki de que tiene muchas cosas para él en la vida. Mientras tanto. los otros personajes se enfrentan a sus propios desafíos para adultos. Desde el punto medio en adelante, se aleja rápidamente de su exterior cómico y colorido para explorar diversas formas de enfermedades mentales y neurosis de una manera realista.

Al igual que  Ouran Koukou Host Club, la serie se burla de la cultura otaku, por lo que no todos los chistes pueden entenderse para los recién llegados del anime. 

Rayando la línea entre la comedia y el drama, NHK ni youkoso es una serie poderosa que hará reír al espectador en un momento y luego querrá eliminar sus penas al siguiente. La conclusión encuentra un medio feliz entre los dos, que culmina en la agridulce realidad de hacer frente y superar las enfermedades mentales en el mundo agitado y moderno.

7. Lovely Complex (2007)

Risa y Otani siempre parecen estar discutiendo sobre algo, incluidas sus alturas. Risa se preocupa cuando su relación de amor y odio hacia Otani comienza a convertirse en algo más.

Por Mary Awad

Lovely Complex le da un giro al estereotipo de romance de anime. Es la historia de Otani Atsushi, un niño mucho más bajo que el japonés promedio, y Koizumi Risa, una niña mucho más alta que la japonesa promedio. Ambos personajes enfrentan burlas en sus vidas debido a sus alturas y creen que no tienen posibilidad de conseguir un novio o novia debido a su naturaleza anormal. Debido a sus situaciones peculiares y similares, Otani y Koizumi forman una extraña amistad basada en ayudarse mutuamente a encontrar a la persona de sus sueños. A medida que avanza la historia, Koizumi se da cuenta de que su búsqueda de un romance con un chico alto está condenada al fracaso porque se ha enamorado de Otani. Y de esta comprensión, se produce el caos.

Los entretenidos personajes de la serie compensan con creces sus cualidades de producción promedio. Otani y Koizumi son personajes extremadamente agradables y divertidos a seguir mientras su vida amorosa se tambalea entre la felicidad pura y un infierno. Ambos tienen personalidades fuertes que los hacen tan agradables de ver individualmente como cuando comparten la pantalla. Sus caracterizaciones son perfectas y se complementan entre sí en todos los niveles, lo que resulta en comedia, drama y romance creíbles. También se enfrentan a muchos baches realistas en el camino que resuenan con el público objetivo del programa. La mayoría de edad, los planes para el futuro, el amor adolescente, la felicidad versus la practicidad: Otani y Koizumi se encuentran con todos estos problemas a lo largo de su viaje que, con sus momentos cómicos y sombríos, crea un ambiente extremadamente atractivo,

Uno de los elementos que se destaca en este anime es la influencia de su entorno: una escuela secundaria en Sakai, Osaka. Cada personaje habla con acento de Kansai, lo cual es muy poco común para un programa televisado en Japón a nivel nacional. A pesar de que el humor y los juegos de palabras que trae este aspecto pueden pasar desapercibidos para la audiencia no japonesa, es algo que agrega un nivel de realismo al programa que de otro modo no habría estado allí. Con el elenco vocal compuesto principalmente por residentes nativos de Kansai, el programa logra una dimensión extra de humor y familiaridad, al tiempo que pone de relieve los talentos que de otra manera no se habrían reconocido.

Por todas estas razones, Lovely Complex es muy recomendable. Es un espectáculo divertido y agradable que muestra emociones y preocupaciones que todos experimentan al menos una vez en la vida. Captura con precisión los altibajos que vienen con el amor, la angustia y la adolescencia, al tiempo que logra darle un giro cómico a todo.

8. Ghost in the Shell: Stand Alone Complex (2003)

En un futuro de ciencia ficción no muy lejano, la Sección 9 de Seguridad Pública se ocupa de varios delitos.

Por blautoothdmand

Desde que Masamune Shirow lanzó su manga ciberpunk Ghost in the Shell en 1989, ha evolucionado hasta convertirse en una franquicia de gran prestigio con numerosas iteraciones, que van desde la famosa película animada de Mamoru Oshii de 1995, hasta la reciente película estadounidense de acción en vivo de Rupert Sanders. Una de las iteraciones más aclamadas es Stand Alone Complex, una serie con un valor de producción estelar, animación detallada, diseño de fondo elaborado, diseño de sonido de primer nivel y excelente puntuación de nada menos que Yoko Kanno (Cowboy Bebop). Con su elenco de conjunto agradable, narrativa emocionante y construcción del mundo fenomenal, Stand Alone Complex transporta a su audiencia a un futuro ciberpunk proliferado por la tecnología digital y cíborg.

En el centro de la historia se encuentra el querido equipo de la Sección 9, la división de aplicación de la ley no militar más alta de Japón que se especializa en delitos cibernéticos. Ya sea Batou, Togusa, Aramaki o cualquiera de sus miembros menos centrales, cada uno agrega algo especial al equipo y a la dinámica del conjunto del espectáculo. La icónica heroína cyborg Major Motoko Kusanagi es la estrella del equipo, y quizás se la describa mejor como “encarnación de profesionalismo”. Ella hace su trabajo, y lo hace extremadamente bien sin compromiso. Con ella a la cabeza, el equipo se involucra en contrarrestar todo, desde piratería, terrorismo y corrupción política.

Seguimos la investigación de la Sección 9 de varios casos en un formato principalmente episódico. Mientras tanto, una narrativa continua más grande se extiende a través de cada una de las dos estaciones. Está mucho más pulido que el manga original de Shirow, que tenía ideas ricas y profundamente complejas, pero una trama algo desigual. Esta mejora hace que la narración de historias sea tan emocionante como intrigante, ya se trate de los arcos principales o los episodios más pequeños que los unen con elegancia.

Además, Stand Alone Complex se expande en gran medida en la base temática del manga. Esto no podría ser más evidente que en la construcción detallada del mundo, ya que muchos de sus conceptos visionarios de ciencia ficción se comunican a través de las diversas formas en que opera esta sociedad futurista. De una manera extremadamente exhaustiva, el contexto de la ciencia ficción se aplica a todos los aspectos de la cultura, desde la política hasta la sociología, y desde los medios hasta la metafísica. Pero, aunque es muy elaborado, el edificio mundial también es muy transparente, evitando la exposición para proporcionar el telón de fondo para las narrativas más prominentes.

Ghost in the Shell: Stand Alone Complex no podría recibir una recomendación más alta. Es inteligente, es ajustado, y va más allá en la exploración de sus conceptos de ciencia ficción. Con intrincadas tramas sociopolíticas y conceptos pensados, es un regalo intelectual y un representante ejemplar de lo que la franquicia tiene para ofrecer.

9. Suzumiya Haruhi no yuuutsu (2006)

Haruhi Suzumiya es un poco rara. Ella afirma estar reclutando extraterrestres, viajeros del tiempo y psíquicos para unirse a su club: la Brigada SOS. Kyon, el chico que se sienta frente a ella, no quiere tener nada que ver con ella, pero de todos modos se ve arrastrado a la mezcla.

Por Justin Wu, Jordan y Mary Awad

Cuando se trata de anime, Haruhi se puede encontrar en todas partes. En anuncios, en videos, en convenciones, ella era básicamente la chica del cartel de esta década para el medio. Suzumiya Haruhi no yuuutsu (Haruhi en adelante) condujo a una explosión de productividad creativa en la comunidad de anime en línea con reseñas, publicaciones de blog, fan-fiction, todo. Además de eso, casi solo presentó la idea de la ‘novela ligera’ a un público más amplio, lo que resultó en que cada vez más anime se adaptara de novelas ligeras como la que se basa Haruhi. La serie no debe subestimarse, debido a su éxito debido a su interesante estilo visual, personajes y elementos cómicos efectivos.

Para comenzar, las cualidades de producción de Haruhi son tan excelentes que impulsaron a Kyoto Animation al estatus de nombre familiar entre los fanáticos del anime. ¡Fue a través de Haruhi que el estudio refinó su estilo artístico, que luego se trasladó a sus títulos posteriores Kanon , CLANNAD  y  K-On!  Con sus diseños de personajes de aspecto 3D, una gran variedad de ángulos de cámara y una animación impresionantemente fluida,  Haruhi  no solo se ve técnicamente increíble sino que también es diferente de cualquier otra cosa que saliera en ese momento. Uno solo necesita ver la secuencia de apertura para ver qué Haruhi se destaca visualmente  es. Pero quizás su logro visual más memorable es la impactante escena musical en vivo del episodio 12 y el baile en la secuencia final, que se ha convertido en una característica recurrente en muchas convenciones de anime en Japón.

Otra gran hazaña es la comedia generada por los dos personajes principales y su química juntos: Haruhi y Kyon. Haruhi es una heroína dinámica que llama la atención y, que no es característica de una protagonista femenina, es descarada, despiadada y muchas veces francamente desagradable. Y luego está Kyon, la voz de la razón. Él es quizás la verdadera razón del éxito y la hilaridad del programa. No hay nada especial en él; él es solo un Joe promedio. Pero eso es exactamente lo que lo convierte en el contraste perfecto con estas personas locas y sus costumbres poco ortodoxas. Ver a través de sus ojos es uno de los mayores atractivos del programa. Cumple el deseo del público de experimentar la emoción de encontrarse con una fuerza desconocida o Dios. En un espectáculo mayormente sin dirección sobre extraterrestres, dioses y fantasmas, Kyon no es solo una ventana a un universo de extravagancia fuera de este mundo, pero también el pegamento lo mantiene todo junto. Sin él, sería un desastre y un horrible intento de humor.

Al estar basado en un trabajo inacabado, las historias son en su mayoría episódicas con algunas tramas generales aquí y allá. Aquellos interesados ​​en ver lo que sucede donde terminan los episodios y la novela ligera continúa pueden verlo cobrar vida en la deslumbrante película The Disappearance of Haruhi Suzumiya, que saca a la luz mucho más los elementos dramáticos de la trama de la serie.

Para decirlo claramente, La melancolía de Haruhi Suzumiya es muy divertida. Uno de los mejores animes de la última década, y un clásico moderno, tiene comedia, hace algunas preguntas filosóficas muy profundas y se ve muy bien para un anime hecho en 2006 gracias a Kyoto Animation. Vale la pena verlo, ya sea para ver que algo extraordinario suceda en el mundo mundano, o simplemente para obtener las bromas y referencias internas de la comunidad.

10. Fate/Stay Night (2006)

Shirou, el hijo de un mago, se ve envuelto en una guerra por el Santo Grial, donde los equipos tienen que luchar entre sí para ser el último en pie.

Por Austin

Fate/Stay Night es la adaptación al anime de una novela visual muy popular del mismo nombre. Studio DEEN ha hecho un gran trabajo al traducir la historia a la animación con imágenes fantásticas, excelente escritura y calidad de producción que arrastra al espectador a un mundo de fantasía contemporáneo. Allí, siete magos son seleccionados para luchar por el Santo Grial que concede los deseos.

Sin dar ningún netabare o destripe, cada episodio cumple perfectamente su propósito como una sola pieza de un todo mayor. La historia es apasionante, e incluso los momentos más relajados contienen algún tipo de emoción y suspenso. Ya sea un desarrollo romántico entre los personajes principales o las escenas de lucha llenas de acción, siempre hay algo de interés en exhibición. Shirou y Saber hacen uso del escenario central con destreza, y es difícil resistirse a la entrada de ver a los dos crecer juntos.

Más allá de su trama estelar, Fate/Stay Night es un espectáculo con diseños de personajes muy agradables y suficientes dulces para mantener a uno enganchado hasta el final. Las escenas de combate son cautivadoras de ver, combinando obras de arte impresionantes con ángulos de cámara naturales y secuencias de lucha sólidas que son llamativas pero no engorrosas o pegajosas.

La música en Fate/Stay Night es una parte vital de la experiencia visual, debido a lo bien que se adapta al estado de ánimo y la progresión del espectáculo. Desde el mórbido mortal hasta el mórbido bobo, hay una pista adecuada para cada momento. Las mejores partes de la banda sonora son las aperturas. La primera apertura pinta una imagen de tristeza, casi desesperación, frente a la confusión y la frustración, que naturalmente progresa en una segunda apertura igualmente seria que exuda el sentimiento de sombría determinación para enfrentar las próximas pruebas.

Fate/Stay Night es realmente la suma de sus partes. Todos juntos, crean una experiencia gloriosa y adictiva de 24 episodios que hace que sea imposible no comenzar el próximo episodio después de que finalice cada uno.

Nota del editor: Posiblemente las adaptaciones más recientes de esta franquicia por parte de UFO Table sean mejores que esta de DEEN.

11. Death Note (2006)

Un estudiante de secundaria, Light Yagami, un día se encuentra con un cuaderno que tiene el poder de matar a cualquiera cuyo nombre esté escrito en él. Decide usarlo para hacer del mundo un lugar mejor.

Por Adnan Bey

En pocas palabras, Death Note es alucinante. La trama es buena, los personajes son atractivos y plantea una pregunta importante sobre el tema del crimen. Tiene algo para todos, ya sea temático o narrativo. En cuanto a la primera temporada, Death Note es el anime perfecto. En cuanto a la segunda temporada, es imperfecta pero sigue siendo una obra maestra.

Este anime trasciende las cualidades habituales del género criminal debido al elemento sobrenatural que permite que se desarrollen escenarios intrigantes. La historia comienza en el reino de los dioses de la muerte. Uno de los dioses, Ryuk, deja caer una libreta en el reino humano, una libreta con el poder de matar a cualquiera cuyo nombre esté escrito en ella. Es recogido por el estudiante de honor Light Yagami, quien después de probarlo se encarga de jugar a ser Dios y hacer del mundo un lugar mejor librándolo de criminales. Las muertes frecuentes y similares hacen que la policía sospeche de un juego sucio inexplicable, y el mejor detective del mundo, conocido solo como L, se mete en el caso.

Otra forma en que Death Note difiere de las normas de género es en el uso de la ironía dramática. Los programas delictivos generalmente involucran a un asesino cuya identidad es desconocida, incluso para la audiencia, y siguen a los detectives y la policía mientras intentan perseguir al criminal. El compromiso proviene de mantener al público adivinando a través de varias pistas cuál es la verdad detrás del crimen, hasta que finalmente llegan a un clímax revelador. Sin embargo, Death Note brinda toda la información al público al principio, creando un punto de vista omnisciente. Ni Light ni L conocen la identidad del otro, y los dos entran en un juego mental de gato y ratón, cada uno tratando de ser más astuto que el otro, proclamando ser la Mano de la Justicia.

Lo que hace que este anime sea un reloj tan genial son los diversos temas que explora: crimen y castigo, genio y obsesión. Muestra un dilema moral entre dos caminos: el camino humano donde a todos se les da una segunda oportunidad, y el camino duro donde cada criminal (independientemente de qué crimen) muere como un ejemplo para los demás. Posteriormente, estos caminos se enmarcan en torno al conflicto entre dos genios que con frecuencia intentan ponerse de pie sobre el otro, especialmente en la segunda temporada. Finalmente, la obsesión de los personajes se muestra en los hábitos extravagantes (casi excéntricos) y en la forma de manejar las cosas. Por ejemplo, uno de ellos siempre siente la necesidad de sentarse de una manera particular, alegando que si no lo hace, pierde el cuarenta por ciento de su capacidad para trabajar. Otro siente la obsesiva necesidad de girar su cabello, especialmente mientras juega con juguetes.

En Death Note, la línea entre héroe y villano no está dividida por la perspectiva narrativa, sino que queda para que el espectador decida. Como los débiles son continuamente manipulados por ambas partes, la historia se caracteriza por una ambigüedad moral en la línea de servir al “bien mayor”, y esa ambigüedad es lo que le da tanta intriga. En última instancia, este no es solo un fantástico anime de inicio, sino que también vale la pena volver a visitarlo una y otra vez.

12. Eureka Seven (2005)

La vida de Renton es aburrida y poco interesante, hasta que una niña se estrella en su casa con su robot gigante.

Por Jordania

Eureka Seven es un espectáculo que comienza encantador y se mantiene constante durante todo el tiempo. Es la historia de la mayoría de edad de Renton Thurston, de catorce años, contada a través de sus observaciones, pensamientos y sentimientos. Los personajes realistas, los hermosos diseños de fondo y la variedad musical lo diferencian de otros mecha anime.

La mayor hazaña de la serie es su elenco memorable y único de personajes con cualidades y peculiaridades adorables. Hasta el episodio 13, el programa es mayormente episódico, se centra en el desarrollo de los personajes y deja caer varias pistas para presagiar lo que está por venir. A medida que la historia comienza a tomar forma, verlos desarrollarse es interesante por decir lo menos. Particularmente, el romance entre Eureka y Renton es creíble y agradable de ver mientras se desarrolla.

Sus fuertes diseños de personajes consisten en proporciones realistas y una variedad de estructuras faciales y corporales. El diseño de color es bastante suave y fácil para los ojos, al igual que la iluminación. A menudo, en series con paletas de colores altamente saturados, la composición del color no colabora muy bien con tonos de iluminación particulares, pero debido a su enfoque visual más atenuado, este no es el caso aquí.

La cantidad de dedicación que se necesitó para crear el universo de Eureka Seven es impresionante. Casi se siente como un mundo en el que podrías caminar directamente. Aunque varía según la ubicación, en el mejor de los casos los fondos se acercan a la altura del nivel de detalle de Studio Ghibli.

La banda sonora de Naoki Sato (X TV) es increíble, con todo lo que uno podría desear. No solo hay instrumentos variados y numerosos, sino tantas melodías hermosas e inolvidables que agregan poder a ciertas escenas. A lo largo de sus 50 episodios, contiene cuatro canciones de apertura y finalización diferentes, que varían desde poderosas baladas, hip hop y RnB, hasta tecno y rock.

Con personajes adorables, una hermosa animación, una potente banda sonora y una historia llena de sorpresas, Eureka Seven vale la pena el tiempo que le lleva mostrar sus verdaderos colores. Tenga en cuenta que la serie es mucho más agradable cuando puede relacionarse también con los personajes adultos y, por lo tanto, se recomienda a un público un poco mayor, a pesar de su personaje principal adolescente.

13. La franquicia Full Metal Panic (2002-2005)

El soldado adolescente Sousuke Sagara se infiltra para proteger a una chica de secundaria llamada Kaname Chidori. Está bajo vigilancia por razones que la división militar independiente de Sousuke no explicará.

Por Jordania

Adaptado de una serie de novelas ligeras aún en curso de Shoji Gato, Full Metal Panic dejó un gran impacto en la década de 2000, y es un título con el que vale la pena familiarizarse. La primera temporada fue adaptada de los primeros tres volúmenes por GONZO, un estudio conocido por su calidad de éxito y error. Si bien se considera en gran medida la más débil de las tres temporadas, y se asocia con mayor frecuencia a la nostalgia, todavía captura muchas de las grandes cualidades de la franquicia: los personajes son memorables y la historia es simple pero atractiva. Verlo es necesario para ver las temporadas superiores posteriores de Kyoto Animation: la segunda temporada del clásico de comedia Fumoffu (2003), y la tercera secuela del episodio de la temporada 13  The Second Raid (2005). Una cuarta temporada se estrenó hace unos años.

Una segunda montaña rusa emocional de intenso drama, acción, conmovedores aspectos románticos y secuencias de acción bellamente animadas, respaldada por una potente banda sonora, The Second Raid es la entrega más fuerte de la franquicia Full Metal Panic. A través de él, Kyoto Animation demuestra cuál podría haber sido la primera temporada si hubiera sido más corta (y para ser sincero, no manejado por GONZO). Sus dos protagonistas están fuertemente desafiados en sus elecciones de vida, lo que, además de estar separados el uno del otro, les permite reflexionar sobre quiénes son como personas. Es un proceso conmovedor e interesante que trae mucha humanidad a una historia que anteriormente solo había sido una comedia de acción directa.

The Second Raid  sigue siendo uno de los trabajos más fuertes que saldrá de Kyoto Animation. Fue tan bueno que se convirtió en una novedad en su época, y aún cumple con los estándares actuales, un verdadero testimonio de la dedicación del estudio a su trabajo que ha perdurado desde entonces. La animación brilla en las escenas de acción, movimiento de fondo e incluso representaciones realistas del lenguaje corporal. Tomemos, por ejemplo, la famosa escena en la que Kaname le corta el pelo a Sousuke. Teniendo en cuenta los sutiles matices del movimiento de las manos y el cabello, las expresiones faciales y la respiración, muestra los detalles y la precisión presentes en el trabajo de Kyoto Animation, incluso cuando no hay mucho que hacer.

Mientras tanto, mientras que la animación puede mejorar entre la primera y la segunda temporada, los aspectos de audio permanecen consistentemente de alta calidad en toda la franquicia. La banda sonora, con sus arreglos orquestales, le da a la serie una sensibilidad hollywoodense. Mikuni Shimokawa canta todas las canciones temáticas, desde las aperturas pop increíblemente pegadizas y memorables hasta las finales sombrías o agridulces. Además, el doblaje en inglés retrata inquebrantablemente las emociones creíbles, lo cual es particularmente importante para esta serie dados sus aspectos dramáticos.

Full Metal Panic  es una franquicia clásica que cualquier fanático del anime debería probar, con la innovadora tercera temporada como una visita obligada para aquellos que les gustó la primera, y una visita que vale la pena incluso para aquellos que no lo hicieron. Si bien hasta ahora las últimas temporadas solo arañan la superficie de su historia, sin duda simplista, las excepcionales interacciones de los personajes y la mezcla entre géneros de travesuras de la vida escolar, mecha, acción y ciencia ficción son las que lo hacen tan entretenido. El encanto radica en su ejecución: el tono y el contenido variados de los episodios le dan a la serie una cantidad sorprendentemente grande de valor de rever y la convierten en un clásico de principios de la década de 2000.

14. FLCL (2000)

La vida de Naota es normal, tal vez demasiado. Todo eso comienza a cambiar cuando una mujer extraña se estrella contra él con su motocicleta y lo golpea en la cabeza con su guitarra.

Por Mary Awad

¿Cómo se comienza a describir  FLCL? Es una creación como ninguna otra. Sus colores, sonido y ambiente en general son extremadamente divertidos y entretenidos, y aunque el espectáculo es prácticamente insensato, a menudo se puede pensar. Esta pieza de colaboración entre Gainax, Production IG y Starchild Records hace todo lo posible para crear un anime increíble que sobresale en todas las áreas: destreza técnica, entretenimiento y desarrollo de personajes, que atrae al espectador en cada giro con su elenco exagerado e historia extravagante.

FLCL sigue a la estudiante de secundaria Nandaba Naota, cuya vida cambia cuando es golpeado por una Vespa amarilla brillante conducida por Haruhara Haruko, una mujer del espacio exterior que busca un robot conocido como El Rey Pirata. Después del accidente, la frente de Naota se convierte en una puerta de entrada para los robots intergalácticos que causan estragos en la ciudad de Mabase. En medio de la excéntrica familia y amigos de Naota, las extrañas prácticas de Haruko y los misterios que rodean a la Medical Mechanica Company, se ve inmerso en una aventura que nunca pensó que encontraría en su vida sin incidentes.

Lo que hace que este espectáculo se destaque más es su banda sonora y sus efectos visuales. Una de las mejores bandas sonoras de anime, la música fue escrita e interpretada por la banda The Pillows, que hizo un excelente trabajo al retratar la sensación del espectáculo en sus composiciones de rock alternativo. No es frecuente que un anime tenga una banda sonora de rock, pero  FLCL ejecuta esto excelentemente. La música es increíble y crescendos en todos los puntos correctos para atraer a la audiencia y hacer que su sangre bombee. Esto, junto con la dirección visual, captura la grandeza y la imaginación de la serie. Los personajes se mueven con fluidez por la pantalla en colores predominantemente pastel hasta que ocurre la acción. Una vez que los robots entran al escenario, los colores se vuelven más saturados y la animación toma un ritmo rápido y optimista sin dejar de ser suave y fascinante de ver. La música y los efectos visuales crecen al unísono, trabajando juntos para que los momentos culminantes de la serie sean inolvidables.

Narrativamente, la historia de la mayoría de edad de Naota es el mayor triunfo del espectáculo. Durante toda su vida ha vivido a la sombra de su hermano mayor Takusu, quien está jugando béisbol en Estados Unidos. Al tratar de ser lo mismo que Takusu en todos los niveles, practicando béisbol y saliendo con su ex novia Mamimi, Naota casi deja de ser su propia persona. Haruko y Mamimi ni siquiera se dirigen a Naota por su propio nombre, llamándolo Ta-kun como si fuera una versión más joven de su hermano. Conocer su lucha interna y verlo fallar en ser un individuo es angustiante y lamentable para la audiencia comprensiva. Pero cerca del final de la serie, Naota se da cuenta de que él solo debería ser él mismo, una epifanía tan merecida y satisfactoria que desencadena uno de los momentos más increíbles de  FLCL. y posiblemente en todo el anime.

Esta sección se introdujo con la pregunta “¿Cómo se comienza a describir FLCL?”, Y eso no fue para un efecto dramático. Es divertido, a veces provocador, y hace un gran trabajo al hacer que sus espectadores resuenen con Naota mientras lidia con su agitada vida. Al mismo tiempo, la trama de este clásico de culto es extremadamente confusa y en gran parte inexplicable durante todo el espectáculo, lo que dificulta la digestión en un primer reloj. Requiere al menos tres o cuatro relojes para comprender la cadena de eventos y sus efectos en los personajes. Consta de solo seis episodios altamente re-observables, eso no es demasiado difícil de hacer. FLCL es un rompecabezas que debe resolverse a través del trabajo duro, pero resolverlo es extremadamente satisfactorio.

15. Samurai Champloo (2004)

Un trío de dos espadachines y una joven emprendieron un viaje en busca de un misterioso samurai que huele a girasoles.

Por Mary Awad

Creado por Shinichiro Watanabe, el director de  Cowboy Bebop, Samurai Champloo es una pieza bellamente diseñada que usa personajes y entorno para llevar a los espectadores a un viaje increíble. La capacidad de contar historias de Watanabe brilla a lo largo de esta serie mientras trenza diferentes historias y subtramas para crear episodios interesantes llenos de profundidad y desarrollo. Producido por Manglobe, los colores terrosos del programa agregan un elemento muy necesario de realismo que mantiene la trama y los personajes enraizados. Las escenas de lucha están llenas de acción y están perfectamente animadas, las expresiones de los personajes son fluidas y creíbles, y el aspecto general del anime personifica lo que la serie en su conjunto está tratando de lograr: mostrar las vidas de tres individuos peculiares mientras se mezclan diferentes culturas para crear un anime cohesivo y completamente agradable.

El elenco del conjunto central consta de tres personalidades audaces: Mugen, un luchador callejero delincuente sin objetivos personales; Jin, un samurai tranquilo y tradicional sin maestro; y Fuu, una chica peculiar y ruidosa que los reúne a todos. Debido a un giro interesante de los acontecimientos, nuestro trío viaja juntos para ayudar a Fuu a encontrar a un hombre conocido como “el samurai que huele a girasoles”, a quien ha estado buscando toda su vida. Pero debido a varias circunstancias (generalmente causadas por Mugen y Jin tratando de matarse) las cosas no salen según lo planeado, y el grupo se ve envuelto en muchas aventuras no deseadas en su viaje.

La trama de Champloo es sencilla y fácil de seguir. La serie se compone principalmente de arcos de historias de un solo episodio con ocasionales dos partes que se extienden a una amplia gama de géneros. No requiere demasiada atención mantenerse al día, lo que permite suspender la incredulidad mientras uno sigue a los personajes a través de sus increíbles aventuras. Muchas de estas aventuras son divertidas a nivel de hilaridad. Otros cubren algunos temas más oscuros y más maduros, pero la tendencia del programa a confiar en el humor oscuro evita que se vuelva demasiado sombrío y mantiene la atmósfera alegre.

Debido a su trama simple, cada personaje obtiene la cantidad adecuada de tiempo de pantalla para desarrollarse a lo largo de la serie. Los personajes son el punto de partida del espectáculo y actúan como su elemento más entretenido. Mugen tiende a tomar un poco más de atención debido a su actitud de “ve a lo grande o vete a casa” que brilla brillantemente entre un elenco reservado. Sin embargo, los tres personajes son tan importantes como estúpidos, lo que permite que la hilaridad de sus vidas se desarrolle orgánicamente. Los diseños de los personajes combinan perfectamente con sus personalidades y le dan a cada personaje un toque personal que se suma a sus disposiciones exageradas. Este es un equipo heterogéneo que la audiencia recordará con cariño, años después de terminar el espectáculo. Siempre habrá un pequeño lugar en sus corazones para esta familia disfuncional exagerada.

Uno de los aspectos más interesantes del   universo Samurai Champloo es su estilo anacrónico. Si bien tiene lugar en un entorno que parece ser predominantemente el período Edo de Japón, combina esto con Harlem New York de la década de 1990 para crear un mundo donde coinciden el samurai y el hip hop. El espectáculo cambia suavemente de duelos de espadas a guerras de pandillas de graffiti mientras es extremadamente consciente de sí mismo, obligando a los espectadores a aceptar los elementos anacrónicos en lugar de proporcionar una explicación. Su banda sonora es un reflejo de esto también, probando música tradicional japonesa con ritmos de hip hop. Sus temas de apertura y finalización son excelentes para proporcionar más contraste entre las dos culturas.

En general,  Samurai Champloo es una visita obligada. Con personajes intrigantes, una historia fácil y batallas y escenarios estéticamente atractivos, realmente no hay una buena razón para no verlo. Puede que se seque un poco en el medio debido a su estructura repetitiva de episodios, pero Mugen, Jin y Fuu te agarran en el episodio uno y no te sueltan hasta el final satisfactorio.

16. Bakemonogatari (2009)

La estudiante de secundaria y medio vampiro Koyomi Araragi ayuda a varias niñas con sus problemas sobrenaturales.

Por Justin Wu y Jordan

 Se pensaba que el Monogatari del autor de la novela ligera Nisio Isin era imposible de adaptar a un anime, pero cuando el estudio Shaft y el director Akiyuki Shinbo aceptaron el desafío con su incorporación a la franquicia, no solo tuvieron éxito sino que también crearon una de las series más sorprendentes de la década.

Lo que inicialmente impresiona más a los espectadores sobre Bakemonogatari es su abundancia de diálogos aparentemente sin sentido y sin dirección, configurados en una dirección visual expresiva única de fondo minimalista y diseño de color, edición rápida, tarjetas de título intermitentes y expresiones dramáticas de personajes. Esto puede sonar extraño y desagradable, pero a través del diálogo constantemente inteligente y la dirección creativa, el espectáculo demuestra ser divertido, enérgico y atractivo a través de todas sus payasadas, manteniendo un énfasis especial en la caracterización.

La serie reinventa la situación del harén hecho a la muerte al centrarse en sus muchos personajes femeninos en sus propios arcos personales, cada uno con un rango de tres a cuatro episodios. Con tantas personalidades distintas y agradables para elegir, cada espectador seguramente tendrá un miembro favorito del elenco, ya sea Senjougahara, de lengua afilada, el marimacho Kanbaru o el maternal Hanekawa. El arco de cada personaje se puede ver independientemente del resto del espectáculo (aunque sin el conocimiento contextual sobre todos los personajes secundarios).

La música minimalista del famoso compositor Satoru Kosaki, junto con las canciones de los cinco personajes que sirven como OP, permiten a los espectadores experimentar un sentimiento y un estilo específicos que corresponden a lo que trata cada arco. Excepcionalmente, los seiyuu (actores de voz y actrices de anime) cantan los OP para sus respectivos arcos de personajes, lo que se suma a su distinción.

El casting y las actuaciones del seiyuu son fenomenales; rara vez se encuentra un anime en el que cada seiyuu se adapte tan perfectamente a los personajes que están expresando. La actuación quizás más fuerte es la de Kana Hanazawa, quien se ha establecido como una de las seiyuu más prominentes de nuestro tiempo y cuya canción de personaje “Renai Circulation” se ha convertido en una de las canciones de anime más “lavado de cerebro”.

El estilo, la personalidad y la forma de narración de cuentos de Bakemonogatari son bastante poco convencionales, y eso hace que se destaque de la mayoría de las obras, especialmente de las de su época. Debido a esto, y porque es uno de los títulos más exitosos e inspiradores de la década, merece su lugar en esta lista.

17. Mushishi (2005)

Ginko deambula por el bosque, ayudando a las personas con sus diversos problemas que involucran organismos naturales llamados mushi.

Por Joseph Manduke

La adaptación al anime del manga Mushishi de Yuki UrushibaraCon sus temas de alto concepto y su atmósfera atractiva, ha alcanzado un nivel significativo de popularidad en los últimos años, aclamado por el público y la crítica por igual. Sigue al misterioso Ginko, un hombre que deambula por Japón ayudando a proteger a las personas de mushi, seres primitivos que la mayoría de las personas no pueden percibir. Una analogía hablada por Ginko al principio sugiere que el mushi existe en el nivel más profundo y fundamental del orden natural. Si bien la humanidad existe en un plano, los mushi están más estrechamente conectados con el núcleo mismo de la naturaleza. Los problemas con Mushi a menudo surgen de la falta de comprensión de las criaturas. Aquí yace uno de los conceptos principales de la serie: el hombre se ha alejado tanto de sus raíces naturales que su falta de comprensión podría tener consecuencias nefastas.

La serie está ambientada en un Japón alternativo del pasado, aparentemente entre los períodos Meiji y Edo, cuando el país todavía estaba en su mayoría cerrado a la influencia occidental. Durante este tiempo, la industrialización estaba a la vuelta de la esquina, amenazando el vínculo tradicionalmente valorado entre las personas y la naturaleza. La mayor parte de Mushishi tiene lugar en aldeas apartadas en el interior del país, con personajes que están cerrados a los cambios del mundo moderno. Esto agrega una atmósfera atemporal que impregna la serie, complementada por sus bosques vibrantes.

Si bien los mushi funcionan narrativamente como antagonistas, son más representativos de los conflictos humanos que los villanos estándar. Mientras tanto, Ginko asume el papel de una especie de sabio, ofreciendo palabras de sabiduría en las viñetas episódicas que componen la serie. El propio Ginko es el único aspecto que realmente une todos los eventos. Actúa como un conducto para conectar a la audiencia con el mundo oculto del mushi, al tiempo que proporciona la exposición. Su comportamiento tranquilo y generalmente agradable se suma a la sensación general de asombro somnoliento de cada episodio. Sin embargo, al igual que el propio Ginko, los episodios pueden cambiar drásticamente con flair de intensidad cuando los eventos se vuelven más serios.

Mushishi te atraerá con historias relacionadas abundantes con ideas que invitan al pensamiento. Cada episodio podría verse como una especie de tutorial filosófico, y se recomienda que el espectador se tome un tiempo entre ellos para dejar que la historia se hunda correctamente. Hacerlo puede ralentizar el acto de mirar, pero el espectador, sin embargo, se verá rápidamente absorbido por el mundo invisible de los mushi.

18. Tengen Toppa Gurren Lagann (2007)

Kamina y Simon escapan de su aislada aldea subterránea después de encontrarse con un robot gigante.

Por Mary Awad

Es difícil hablar sobre este programa sin convertirse en un desorden demasiado hiper-emocional que grita sobre camaradería, poder en espiral y virilidad. Esta aventura llena de acción empuja cantidades inimaginables de adrenalina a través de las venas, coloca al público en el asiento del conductor temprano y los lleva a un viaje increíble que querrán revivir una y otra vez. Gracias a su increíble reparto, trama emocionante y magistral animación y banda sonora, Tengen Toppa Gurren Lagann ( TTGL ) es un anime con la increíble capacidad de provocar todo el espectro emocional de sus espectadores en el transcurso de 27 episodios inolvidables.

Su mayor logro, y lo primero que atrae a los espectadores, es su estilo visual. Gainax hizo todo lo posible para crear un mundo vívido y colorido que refleja el esplendor infantil que los protagonistas sienten cuando caminan por la Tierra por primera vez. La animación nunca pierde el ritmo, mantiene el ritmo rápido de las increíbles batallas del espectáculo y la hace dinámica para ver sin importar el estado de ánimo o el escenario de la escena.

La historia se centra en Simon y Kamina, dos niños que viven bajo tierra debido a la creencia de que no hay un mundo arriba. Kamina sin embargo cree que es algo más grande en el mundo, y trata todos los días para romper el techo y descubrir el mundo que siempre se habló de como un niño. Su sueño se hace realidad cuando el techo se derrumba y los dos son traídos a un mundo donde los humanos luchan por sobrevivir debido a los hombres bestias que gobiernan el mundo. TTGL cambia rápidamente de lo que parece un juego de rol de acción y aventura a una guerra mecánica completa con robots que se convierten en la única arma de la humanidad para defenderse de su extinción en la superficie.

La enérgica Kamina y el atento Simon son láminas funcionales el uno del otro y los dos protagonizan un elenco de personalidades dinámicas y entretenidas. La trama más grande de la serie se basa en personajes relacionados y fundamentalmente humanos con los que los espectadores se alían desde el comienzo del espectáculo. Todo al respecto, independientemente de su entorno ficticio, es muy real. Ilustra la búsqueda de un mundo mejor, la curiosidad natural, el dolor sofocante y la necesidad innata de compañía que todas las personas experimentan.

Al explorar la condición humana de una manera hermosa que resuena con su audiencia y los mantiene involucrados, TTGL es un anime que cualquiera puede ver una y otra vez y aún experimentar las mismas emociones que cuando lo vieron por primera vez. La Brigada Dai-Gurren te hará sentir orgulloso de ser un miembro de la humanidad, decidido a enfrentar cualquier obstáculo que se interponga en tu camino, y cambiará tu mantra personal al himno desafiante del anime, “¡Row! ¡Fila! ¡Luchar contra el poder!”

19. Higashi no Eden (2009)

Akira Takizawa se despierta un día desnudo afuera de la Casa Blanca con una pistola, un teléfono y más de mil millones de yenes. La graduada universitaria japonesa Saki Morimi visita Estados Unidos con sus amigos y conoce a Akira. Después de una serie de malentendidos, el dúo trabaja en conjunto para desentrañar los misterios que rodean la amnesia de Akira.

Por Jordania

Una de las mejores obras de Production I.G de la década, Higashi no Eden tiene algo para todos: una historia intrigante, personajes maravillosamente expresados ​​y agradables, gran calidad visual y una banda sonora increíble. La serie de 11 episodios sigue una premisa del tipo Battle Royale, con varias personas que tienen que participar en un “juego de la muerte” creado por un misterioso antagonista. Como misterio, brinda suficiente información para engancharte con el primer episodio y luego te mantiene preguntándote con suspenso.

Si bien, por un lado, profundiza en temas bastante pesados ​​de comentarios sociales y políticos, Higashi no Eden también mantiene una atmósfera alegre con su humor, personajes encantadores y toques de romance. La química divertida entre los personajes principales Akira y Saki es especialmente entretenida de ver.

En cuanto a la producción, la serie está casi a la par con la película, visualmente se parece más a una película larga cortada en once segmentos que a un programa de televisión. El arte de fondo es muy detallado y da mucha profundidad a los alrededores. Los diseños de personajes de Chika Umino (Honey & Clover) aciertan con un énfasis en el realismo y al mismo tiempo conservan una ternura entrañable con líneas suaves y caras redondeadas.

Acompañando las imágenes para proporcionar una atmósfera rica, hay una banda sonora de arreglos modernos compuestos por Kenji Kawai (Patlabor , Ghost in the Shell). La canción de apertura “Michael ka Belial”, interpretada por la actriz de voz de Saki Saori Hayami, es con su bajo perfil un gran complemento para los créditos, mientras que la canción alternativa en inglés “Falling Down” de Oasis proporciona una acumulación y tensión muy necesarias; si quieres ver una bonita secuencia de apertura, esta es una que debes buscar.

Con imágenes casi impecables, buena música, personajes interesantes y agradables en una trama trepidante y apasionante, Higashi no Eden  establece el estándar alto. La serie termina con una nota tan apropiada y conmovedora que, a pesar del hecho de que se terminó con dos películas (The King of Eden y Paradise Lost), se mantiene como independiente. De hecho, demuestra el nivel de calidad que impulsa a los fanáticos a ver anime en primer lugar, por lo que es la elección perfecta para un recién llegado.

20. Fullmetal Alchemist (2003) / Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2009)

Los hermanos Alphonse y Edward Elric se enfrentan al lado malo de la alquimia cuando intentan resucitar a su madre. Partieron en un viaje para recuperar lo que perdieron.

Por Adnan Bey

Fullmetal Alchemist es una de las franquicias de anime y manga más queridas de la década por una razón. Con una excelente escritura y artesanía, Fullmetal Alchemist presenta una historia de acción, aventura, fantasía y drama de personajes que probablemente conmoverán a cualquiera.

La historia comienza con los dos jóvenes hermanos Edward y Alphonse tratando de revivir a su madre fallecida a través de la alquimia. Rompiendo la Ley de Intercambio Equivalente, que establece que obtener algo significa sacrificar algo de igual valor, Edward pierde un brazo y una pierna y Alphonse pierde todo su cuerpo mientras su alma se enreda en una armadura. Los dos hermanos luego cambian su objetivo para encontrar una manera de restaurar sus cuerpos, y su viaje los lleva a la ciudad central de Amestris, donde se inscriben en el ejército gobernante.

Edward Elric adquiere el título de Alquimista del Estado y toda la responsabilidad que conlleva a cambio del derecho a investigar la Piedra Filosofal. La piedra legendaria es una sustancia que se cree que renuncia a la Ley de Intercambio Equivalente y concede cualquiera de los deseos del poseedor. A medida que avanza su viaje, las verdades ocultas se revelan gradualmente sobre los militares, el escalón superior, los alquimistas estatales y el origen de la alquimia.

La serie explora una variedad de temas, de los cuales los más frecuentes son la guerra y la filosofía. El tema de la guerra está presente en la historia del escenario dado, incluidos los genocidios pasados ​​contra una etnia específica y paralelos a eventos y culturas del mundo real. El tema filosófico se basa principalmente en la Ley de Intercambio Equivalente, sostenida por los hermanos Elric como una verdad absoluta que se aplica tanto a la alquimia como a todos los aspectos de la vida.

Sin embargo, su brújula moral se ve cada vez más desafiada debido al uso de la alquimia por parte del enemigo, sin mencionar las conspiraciones que se desarrollan dentro de las fuerzas armadas que desdibujan la línea entre amigos y enemigos. ¿De qué lado están? ¿Cuál es el motivo detrás de cada una de las acciones de los militares? Si se les da, ¿cómo sería el mundo? Lo más importante, ¿merece la pena obtener la Piedra Filosofal?

Con su historia heroicamente épica, un gran elenco de personajes agradables bien redondeados y temas de guerra, religión y filosofía, Fullmetal Alchemist tiene algo para todos, y ya sea que vea la serie original de 2003 o el reinicio de 2009 Fullmetal Alchemist: Brotherhood, tienes la garantía de pasar un buen rato.

Ultimas palabras

Resumir toda una década de anime en solo 20 títulos sería imposible, pero ese tampoco ha sido el objetivo de este artículo. Más bien, es de esperar que haya proporcionado una visión de nivel de entrada de las muchas historias diferentes que el anime de la década de 2000, así como el anime en general, tiene para ofrecer. La lista ha incluido no solo algunos de los títulos más respetados de esta mezcla, sino también espectáculos menos conocidos. Por lo tanto, aunque puede funcionar como un buen paquete de inicio, incluso el observador de anime bien versado puede haber encontrado algunos nuevos descubrimientos.

Este artículo fue el esfuerzo de colaboración de varios escritores de anime de The Artifice, lo que lo convierte en algo más que una lista de anime. Más allá de mostrar las diferentes historias que se encuentran en la última década de anime, también muestra las diferentes voces que existen en esta misma plataforma. Por lo tanto, debería ser un estímulo no solo explorar el anime de la década de 2000, sino las carteras de todas las personas que contribuyeron a él:

Jefe de proyecto: Jordan, blautoothdmand

Editora principal: Candice Evenson

Escritores contribuyentes:  Austin, Joseph Manduke, Justin Wu,  Mary Awad, Adnan Bey.